Por qué a los impresionistas les encantaba pintar jardines

Las dalias proyectan sus colores hacia el cielo; las campanillas enmarcan a un niño jugando; los campesinos cuidan coles; y los lirios acuáticos salpican la superficie de un estanque. El «jardín impresionista» captura todos estos momentos y más.

Pero, ¿por qué Monet, Renoir, Morisot, Pissarro y sus colegas estaban tan atraídos por los jardines? Es un tema que busqué responder en mi libro Los Jardines del Impresionismo.

Una respuesta reside en la pura ubicuidad y la intensidad sensorial de los jardines hacia la segunda mitad del siglo XIX, cuando surgió el impresionismo. El cambio social hizo que los jardines de ocio fueran accesibles para todos (ya no solo para reyes y aristócratas) , lo cual se combinó con «el gran movimiento hortícola»: la introducción de nuevas y exóticas plantas, árboles y flores como resultado de la expansión imperial, el comercio internacional y los avances tecnológicos.

Los «cajones Ward», nombrados en honor a su inventor británico, botánico Nathaniel Bagshaw Ward, facilitaron el transporte de plantas vivas por todo el mundo. La construcción de vidrio y hierro dio lugar a invernaderos que permitieron pasar el invierno a plantas exóticas y delicadas. Una nueva comprensión de la hibridación, impulsada por los descubrimientos de Charles Darwin, hizo que las flores fueran cada vez más grandes, más fragantes o abiertamente decorativas, al tiempo que impulsó el cultivo comercial de vegetales.

Los jardines, en resumen, fueron centrales para la «vida moderna» que los impresionistas persiguieron radicalmente, respondiendo poderosamente a su deseo de capturar las sensaciones del momento presente en pinceladas espontáneas y una paleta vibrante.

Pulmones verdes

En París, los nuevos parques introducidos por Napoleón III desde la década de 1850 fueron esenciales para la higiene pública: pulmones verdes sobre tierra que complementaban las nuevas arterias cloacales bajo tierra, como parte de la lucha de Francia contra el cólera.

Los árboles y los lujosos corbeilles (parterres florales) de la ciudad eran innegablemente atractivos. Sin embargo, la respuesta de los impresionistas fue altamente selectiva y a menudo transitaron un delicado equilibrio entre lo antiguo y lo nuevo.

Édouard Manet eligió subversivamente un parque antiguo, los Jardines de las Tullerías, para su pionística representación de la vida moderna en 1863. Sus elegantes figuras escuchando a una banda fuera de escena se desvanecen en una masa de árboles que parece más un bosque primario que un espacio verde cultivado.

Y Pierre-Auguste Renoir recordó en su vejez cómo, antes de los modernos bulevares arbolados, las plazas cuidadas y los parques estilo inglés, había “detrás de cada casa… un jardín… Mucha gente todavía conocía el placer de comer lechuga recién recogida”.

Desalojado en la infancia para dar paso al “nuevo París”, Renoir tenía motivos para su pesar. Ya en 1867, había colocado juguetonamente una corbeille aún sin florecer en primer plano de su pintura de los Campos Elíseos. El famoso régimen de “puesta a punto” del prefecto de Napoleón, Barón Haussmann, destinado a asegurar un color floral continuo, experimenta aquí un vergonzoso fallo.

En 1875, Renoir pintó un jardín viejo y enmarañado en Montmartre, lleno de “amapolas, convolvulus y margaritas”, el tema de Mujer con parasol en un Jardín, en el que la naturaleza parece regresar a su estado original y no cultivado.

Claude Monet hizo lo mismo al evitar el camino arterial recién trazado por el Parc Monceau, capturando en cambio el juego de luces y sombras sobre figuras charlando bajo altos árboles en un rincón apartado del antiguo jardín aristocrático apropiado por Haussmann para uso público y construcción especulativa.

Fue, más bien, en sus jardines privados de Argenteuil en la década de 1870 donde Monet pareció —al menos hasta cierto punto— hacer eco de la horticultura haussmaniana, cultivando parterres florales y probando nuevas flores. Pero incluso aquí, en el cuadro de 1873 El Jardín del Artista en Argenteuil, sus novedosas dahlias gigantes surgen sobre la superficie pictórica como una especie de resaca orgánica y colorida.

El jardín privado

Si el jardín impresionista era tanto estudio al aire libre como motivo, lo que impacta al espectador en imágenes como esta es la evocación de lo que los expertos en arte llaman hoy un entorno de apego – un lugar imbuido de significado personal, porque fue cultivado por el propio artista.

Monet a menudo incluyó a su esposa y a su joven hijo dentro de su jardín de artista en Argenteuil. Estas pinturas proyectan orgullo familiar e incluso esperanza de renovación nacional.

Tras el horror de la guerra franco-prusiana y la Comuna de París de 1870-1, cuando Monet y Camille Pissarro se habían refugiado con sus jóvenes familias en Londres, el simple acto de cultivar un jardín era inherentemente simbólico. Fue una celebración del suelo francés tras la pérdida de Alsacia-Lorena ante Alemania.

Las múltiples representaciones de Pissarro de jardines de cocina cerca de su casa en Pontoise, mientras tanto, sostuvieron su visión socialista utópica de un futuro mejor basado en el trabajo de la tierra, al igual que las imágenes pinceladas con ligereza de Berthe Morisot confunden el crecimiento de su hijo pequeño con el de la naturaleza cultivada.

Tales imágenes sugieren que, a pesar de su modernidad, los impresionistas compartieron la nostalgia por la existencia rural que acompañó a la expansión urbana y la industrialización.

En la rural Vétheuil, donde vivió de 1879 a 1881, Monet plantó girasoles casi obsesivamente en su jardín empinado y escalonado con vistas al Sena. Su oro y amarillo de finales de verano parecen casi elegíacos después de la trágica muerte de la esposa de Monet, Camille, en 187.

El jardín más ambicioso de Monet se encontraba en Giverny, en Normandía, y fue su motivo pictórico casi exclusivo durante el último tercio de su vida.

Los nuevos lirios acuáticos híbridos, perfumados y de colores que cultivó allí eran muestras de la invención hortícola moderna; sin embargo, sus pinturas en serie de su estanque, al capturar sucesivos efectos de luz y atmósfera, construyen una visión profundamente poética de la naturaleza como una armonía perpetuamente desplegándose. Las coordenadas desaparecen dejando solo agua, flores y el cielo reflejado; el jardín ahora abraza lo cósmico.

Fue lógico que Monet usara este motivo para sus murales de la Orangerie de París, los cuales regaló a Francia como monumento conmemorativo de la Primera Guerra Mundial. Nenúfares abiertos a la luz, derrotando a la oscuridad.

Aunque a menudo llamados precursores de la abstracción, los nenúfares del Orangerie ofrecen la lógica definitiva del jardín como entorno de apego – rodeando al espectador y colocándonos físicamente dentro el mejor mundo del jardín impresionista.

¿Tienen alguna pintura de jardín impresionista favorita? Déjennos saberlo en los comentarios de abajo.

Este artículo contiene referencias a libros que han sido incluidos por razones editoriales, y puede contener enlaces a bookshop.org. Si haces clic en alguno de los enlaces y decides comprar algo, The Conversation UK podría obtener una comisión.

Clare Willsdon no trabaja para, asesora, posee acciones en o recibe financiación de ninguna empresa u organización que se beneficiaría de este artículo, y no ha revelado afiliaciones relevantes más allá de su cargo académico.